그림 그리기 - Figure drawing - Wikipedia

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그림 그리기 레오나르도 다빈치

그림 그리기 다양한 형태의 인간 형태를 그린 그림입니다. 자세 그림을 사용하여 미디어. 이 용어는 또한 그러한 것을 생산하는 행위를 나타낼 수 있습니다. 그림. 표현의 정도는 매우 상세하고 해부학 적으로 정확한 렌더링부터 느슨하고 표현적인 스케치에 이르기까지 다양합니다. "생명 그림"은 살아있는 사람을 관찰 한 사람의 그림입니다. 모델. 그림 그리기는 구성된 예술 작품이거나 그림 연구 그림과 같은 더 완성 된 작업을 위해 준비했습니다.[1] 그림 그리기는 틀림없이 가장 어려운 주제입니다. 예술가 일반적으로 만남과 전체 과정이 주제에 전념합니다. 인간의 모습은 시각 예술에서 가장 오래가는 주제 중 하나이며, 인간의 모습은 초상화, 삽화, 조각, 의료 그림및 기타 필드.

구혼

예술가들은 인간의 모습을 그리는 데 다양한 접근 방식을 취합니다. 라이브 모델이나 사진에서 그릴 수 있습니다.[2] 골격 모델, 또는 기억과 상상력에서. 대부분의 교육은 "라이프 드로잉"과정에서 모델 사용에 중점을 둡니다. 사진 참조의 사용-비록 개발 이후 일반적이지만 사진술— 주체의 역동적 인 측면을 포착하지 못하는 "평탄한"이미지를 생성하는 경향으로 인해 종종 비판을 받거나 낙담합니다. 상상력에서 그림을 그리는 것은 그것이 장려하는 표현력으로 인해 종종 찬사를 받고, 예술가의 지식 부족이나 인간 형상을 시각화하는 데 제한된 기억으로 인해 부정확성이 도입 된 것으로 비판을받습니다. 다른 방법을 사용한 예술가의 경험은이 접근 방식의 효과에 큰 영향을 미칩니다.

이미지를 개발할 때 일부 아티스트는 신체 표면의 밝은 값과 어두운 값의 상호 작용으로 생성 된 모양에 집중합니다. 다른 사람들은 해부학 적 접근 방식을 취합니다. 해골 그림의 내부 장기를 오버레이하고 근육 조직, 그리고 그 모양을 피부로 덮고 마지막으로 (해당되는 경우) 의복; 인체 내부 해부학에 대한 연구는 일반적으로이 기술에 관여합니다. 또 다른 접근법은 몸을 느슨하게 구성하는 것입니다. 기하학적 예를 들어, 두개골을위한 구체, 몸통을위한 원통 등과 같은 모양은 인간의 형태와 더 비슷하게 모양을 다듬습니다.

시각적 참조없이 (또는 자신의 작업을 확인하는 수단으로) 일하는 사람들을 위해, 일반적으로 권장되는 비율 그림 그리기는 다음과 같습니다.[3]

  • 평균적인 사람의 키는 일반적으로 머리를 포함하여 7 살 반입니다. 이것은 종이 접시를 사용하여 교실에서 학생들에게 몸의 길이를 시각적으로 보여줄 수 있습니다.
  • 고귀함이나 우아함을 표현하기 위해 사용되는 이상적인 그림은 8 개의 머리 높이로 그려집니다.
  • 신과 슈퍼 히어로 묘사에 사용 된 영웅적인 인물은 높이가 8 살 반입니다. 추가 길이의 대부분은 더 큰 가슴과 더 긴 다리에서 나옵니다.

이 비율은 스탠딩 모델에 가장 유용합니다. 소개하는 포즈 단축 법 다양한 신체 부위의 차이가 발생합니다.

미디어

앉아있는 여자, 검정 크레용으로 그리기, 학교 렘브란트 (17 세기)

그만큼 프렌치 살롱 19 세기에는 장편 특수 제작 된 종이와 결합 된 왁스, 오일 및 안료의 스틱 인 크레용. 삭제는 허용되지 않았습니다. 대신 작가는 더 어둡고 눈에 띄는 마크를 만들기 전에 밝은 스트로크로 그림을 설명해야했습니다.

그림 그리기 로비 스 코린트. 1925 년 이전

대중적인 현대 기술은 특수 덩굴로 준비한 스틱과 더 거친 형태의 종이. 목탄은 종이에 느슨하게 부착되어 매우 쉽게 지울 수 있지만 최종 그림은 숯이 문지르지 않도록 스프레이 온 "고정 제"를 사용하여 보존 할 수 있습니다. 딱딱한 압축 숯은보다 신중하고 정확한 효과를 낼 수 있으며, 손가락으로 문지르거나 a라는 원통형 종이 도구를 사용하여 점진적인 톤을 만들 수 있습니다. 그루터기.

흑연 연필은 그림 그리기에도 일반적으로 사용됩니다. 이를 위해 아티스트의 연필은 9B (매우 부드러움)에서 1B (중간 부드러움), 1H (중간 단단함)에서 9H (매우 단단함)까지 다양한 제형으로 판매됩니다. 목탄과 마찬가지로 그루터기를 사용하여 지우고 조작 할 수 있습니다.

잉크는 또 다른 인기있는 매체입니다. 아티스트는 종종 흑연 연필로 그림을 스케치하거나 윤곽을 그리며 시작한 다음 최종 선 작업은 영구 잉크로 펜이나 브러시로 수행됩니다. 잉크를 물로 희석하여 그라데이션을 만들 수 있습니다.이를 잉크 세척이라고합니다. 연필 자국은 잉크를 바른 후에 지워지거나 진한 잉크가 압도적으로 제자리에 남아있을 수 있습니다.

일부 예술가는 연필 스케치를 준비하지 않고 잉크로 직접 그림을 그리며 실수를 수정할 수있는 능력을 제한한다는 사실에도 불구하고 이러한 접근 방식의 자발성을 선호합니다. 마티스 이런 식으로 작업 한 것으로 알려진 아티스트입니다.

선호하는 방법 Watteau 및 기타 17 세기 및 18 세기 예술가 바로크로코코 시대는 흰색과 검은 색의 중간에 색이있는 톤으로 시작하여 펜과 잉크 또는 "크레용"을 사용하여 검은 색 음영과 흰색 강조 표시를 추가하는 것이 었습니다.

역사

인간의 모습은 선사 시대부터 그림의 주제였습니다. 고대 예술가들의 스튜디오 관행은 대부분 추측의 문제이지만, 그들이 종종 누드 모델에서 그리고 모델화되었다는 것은 그들의 작품의 해부학 적 정교함에 의해 제안됩니다. 관련 일화 플리 니 방법을 설명 Zeuxis 젊은 여성을 검토 Agrigentum 이상적인 이미지를 그리기 위해 결합 할 5 가지 특징을 선택하기 전에 알몸으로.[4] 중세 예술가의 워크샵에서 누드 모델의 사용은 다음과 같은 글에 암시되어 있습니다. Cennino Cennini및 원고 Villard de Honnecourt 삶에서 스케치하는 것이 13 세기에 확립 된 관행임을 확인합니다.[4] 카라치, 누가 그들의 아카데미아 델리 인캄 미나 티 1580 년대 볼로냐에서 삶을 중심 학문으로 삼아 후기 미술 학교의 패턴을 설정했습니다.[5] 교육 과정은 판화 복사로 시작된 다음 석고 모형에서 그림을 그리는 것으로 진행된 후 학생들은 실제 모델에서 그림을 그리는 훈련을 받았습니다.

18 세기 후반에 자크 루이스 데이비드의 스튜디오는 엄격한 교육 프로그램을 따랐습니다. 그림의 숙달은 그림의 전제 조건으로 간주되었습니다. 매일 약 6 시간 동안 학생들은 일주일 동안 같은 포즈를 유지 한 모델로부터 그림을 그렸습니다.[6] "Jacques-Louis David가 그린 것과 같은 18 세기 드로잉은 일반적으로 흰색 하이라이트와 어두운 바탕이있는 빨간색 또는 검은 색 분필로 착색 된 종이에 실행되었습니다. 모델의 포즈는 활발한 경향이 있습니다. 앉아있는 인물조차 극적으로 몸짓을합니다. 모델의 신체를 면밀히 관찰하는 것은 그의 몸짓을 표현하는 데 이차적 인 것이었고, 학문적 이론과 일치하는 많은 그림은 특정 신체 나 얼굴이 아닌 대표적인 인물을 제시하는 것 같습니다. 19 세기 [...]는 일반적으로 흰 종이에 검은 색 분필이나 목탄 색으로 실행되었으며 실제 모델의 신체의 특이성과 특이성을 세 심하게 묘사합니다. 예술가의 손에 대한 증거는 최소화되며 기대거나 앉은 자세를 취하더라도 드물고, 서있는 자세조차도 비교적 정적입니다 ... " [7] 19 세기 후반 이전에 여성은 일반적으로 그림 그리기 수업에 참여하지 않았습니다.[8]

아카데미 피규어

아카데미 그림 이다 그림, 페인트 등 또는 조각 문자 그대로의 누드 인체 일반적으로 반감기 크기의 라이브 모델을 사용합니다.[인용 필요]

학생들에게 요구되는 일반적인 운동입니다. 미술 학교아카데미, 과거와 현재, 따라서 이름.[9]

여자들

신고전주의 화가의 초월 아카데미 인물 피에르 서브 레이 라스

역사적인 기록에 따르면 누드 모델은 여성 예술가 거의 사용할 수 없었습니다. 여성은 누드 모델에서 공부하는 것이 부적절하고 위험 할 수도 있기 때문에 특정 기관에서 금지되었습니다.[10] 남성은 남성과 여성의 누드 모두에 접근 할 수 있었지만 여성은 캐스트와 모델에서 해부학을 배우는 데 국한되었습니다. 1893 년이 되어서야 여학생들이 런던 왕립 아카데미에서 생활 그림을 볼 수있게되었습니다.[11] 그런 다음에도 모델은 부분적으로 드레이프해야했습니다.[12]

누드 인물에 대한 제한된 접근은 여성 예술가의 경력과 발전을 방해했습니다. 가장 권위있는 형태의 그림은 여성에게 체계적으로 거부 된 해부학에 대한 심층적 인 지식이 필요했습니다.[12] 그로 인해 다음과 같은 덜 존경받는 형태의 그림으로 강등되었습니다. 유형, 정물, 경치초상화. 에 린다 노 클린의 에세이 "위대한 여성 예술가가 없었던 이유"그녀는 여성이 누드 그림 그리기에 대한 제한된 접근이 여성의 예술적 발전에 역사적으로 중요한 장벽으로 작용했다고 밝혔습니다.[12]

현대 스튜디오 강의

그림 그리기 지침은 대부분의 요소입니다 미술삽화 프로그램들. 이탈리아 미술 아카데미 가지고있다 스쿠 올라 리베라 델 누도 ( "누드의 자유 학교") 학위 프로그램의 일부를 형성하지만 외부 학생들에게도 열려 있습니다.[13] 전형적인 그림 그리기 스튜디오 교실에서 학생들은 반원 또는 원형으로 모델 주위에 앉아 있습니다. 두 명의 학생이 정확히 같은 시각을 가지고 있지 않으므로 드로잉은 모델과 관련된 아티스트의 고유 한 위치에 대한 관점을 반영합니다. 모델은 종종 학생들이 방해받지 않는 시야를 더 쉽게 찾을 수 있도록 스탠드에서 포즈를 취합니다. 포즈의 유형에 따라 가구 및 / 또는 소품을 사용할 수 있습니다. 이들은 일반적으로 예술가가 볼 수있는 정도까지 도면에 포함됩니다. 그러나 환경에서 인물의 배치에 대해 배우는 것이 목적이 아니라면 배경은 일반적으로 무시됩니다. 개별 모델이 가장 일반적이지만 고급 클래스에서는 여러 모델을 사용할 수 있습니다. 많은 스튜디오는 다양한 조명 배치가 가능하도록 설비되어 있습니다.

대학 수준에서 가르 칠 때 그림 그리기 모델은 종종 (항상 그런 것은 아닙니다) 나체상 (작은 보석류, 소품 또는 기타 눈에 띄지 않는 품목 제외). 포즈를 취하는 동안 모델은 일반적으로 완벽하게 가만히 있어야합니다. 장시간이 작업을 수행하는 것이 어렵 기 때문에 모델이 휴식 및 / 또는 스트레칭을하기위한주기적인 휴식은 일반적으로 더 긴 세션과 더 어려운 포즈에 포함됩니다.

그림 그리기 세션을 시작할 때 모델은 종종 빠른 연속으로 일련의 간단한 포즈를 취하도록 요청됩니다. 이를 제스처 포즈라고하며 일반적으로 각각 1 ~ 3 분 정도 걸립니다. 제스처 그리기 일부 예술가는 모든 그림 그리기의 첫 번째 단계로 제스처를 스케치하지만 많은 예술가에게 워밍업 운동입니다.[14] 이 넓은 스트로크는 손목을 가볍게 치는 것만이 아니라 전체 팔을 사용하여 모델의 움직임을 포착하는 것입니다. 또한 아티스트가 종이 대신 모델에 집중하는 데 도움이됩니다. 인체에 관해서 예술가들은 고통스럽게 비판적입니다. 정물의 비율을 완벽하게 그려야 진짜처럼 보일 필요는 없지만 인간 비율의 사소한 오류도 쉽게 감지 할 수 있습니다.

현대 및 현대 예술가는 모델 포즈의 제스처 또는 인식 된 분위기를 강조하기 위해 비율을 과장하거나 왜곡 할 수 있습니다. 결과물은 작가의 그림 그리기 경험에 대한 주제, 관찰, 감성 및 마크 메이킹 반응을 모두 표현하는 완성 된 작품으로 볼 수 있습니다.

해부학은 인생 수업에서 첫 번째 관심사 일뿐입니다. 그림 지상 관계 및 구성의 다른 측면도 고려됩니다. 구성의 균형이 더욱 중요해 지므로 삶의 그림을 통해 더 잘 이해됩니다. 아티스트 운동 감각 그림 그리기 수업의 목적은 모든 연령, 모양, 모든 종류의 남성 및 여성 모델을 그리는 방법을 배우는 것이기 때문에 포즈에 대한 반응과 이것이 아트 미디어의 선택을 통해 전달되는 방식은 더 높은 관심사입니다. 아름다운 모델 만 선택하거나 "이상적인"수치. 일부 강사는 특히 패션 사진가가 선호하는 모델을 피하고보다 "현실적인"예를 찾고 성적 대상화의 의미를 피하려고합니다. 강사는 제공하는 고유 한 윤곽 또는 표면 질감을 기반으로 특정 신체 유형의 모델을 선호 할 수도 있습니다. 고용 된 모델의 다양성은 그들이 장기간 포즈를 취해야 할 필요성 (불안정한 아이들과 허약 한 노인 제거)과 모델이 누드 포즈를 할 때 겸손과 합법성에 대한 우려 (미성년자 사용 제한)로 제한 될 수 있습니다.

또한보십시오

노트

  1. ^ 베리, Ch. 8 – "준비로 그리기"
  2. ^ Maureen Johnson & Douglas Johnson (2006). 아트 모델 : 드로잉, 페인팅 및 조각을위한 라이프 누드. 라이브 모델 북. ISBN 978-0976457329.
  3. ^ Devin Larsen (2014 년 1 월 19 일). "인체의 표준 비율". makingcomics.com. 검색 됨 9 월 6 일 2020.
  4. ^ 엄격하게 학문적 1974p. 6.
  5. ^ 엄격하게 학문적 1974, p. 7.
  6. ^ 엄격하게 학문적 1974, p. 8.
  7. ^ S. Waller, The Invention of the Model : Artists and Models in Paris, 1830-1870. 2016, P. 5.
  8. ^ 엄격하게 학문적 1974, p. 9.
  9. ^ Claude-Henri Watelet,«Académie»및«Modèle», dans Encyclopédie méthodique. Beaux-arts, Paris, Panckoucke, 1791. 출처 인용 fr : Académie (dessin)
  10. ^ 마이어스, 니콜. "19 세기 프랑스의 여성 예술가". 메트로폴리탄 미술관.
  11. ^ Levin, Kim. "10 대 ARTnews 기사 : 숨겨진 '그를 폭로하다''". ArtNews.
  12. ^ 노 클린, 린다. "왜 위대한 여성 예술가가 없었습니까?" (PDF).
  13. ^ Maggioli (2013).Codice delle leggi della scuola, 829–830 쪽. ISBN 8838778639 (이탈리아어)
  14. ^ 아트 모델의 핸드북 http://www.artmodelbook.com

참고 문헌

외부 링크

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